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Comedia social, espionaje, vampiros y casinos del capitalismo para disfrutar de otros cines políticos

A lo largo del año, los teatros comerciales del Estado han proyectado muy buenas muestras de obras cinematográficas ligadas a los caminos más consagrados de lo que se suele considerar como la principal rama del cine político: el drama social. Libertad, de Clara Roquet, o Mi mejor amigo, de Ferit Karahan, han evidenciado la perdurable vigencia de este género.

Roquet, guionista de 10.000 km, aludió a las diferencias sociales basadas en la clase y el origen a través de la historia de la amistad (¿difícil, imposible?) De una adolescente de buena familia y la hija de la criada. Casa. Karahan utilizó un mecanismo habitual del audiovisual crítico del presente que mantiene una difícil relación con la censura, el uso de niños como protagonistas, para un drama con componentes de contrarreloj al estilo de los hermanos Dardenne de Two Days, One Night. Y Las mil y una, de la directora argentina Clarisa Navas, fue un ejemplo de drama vital LGTBQ + atento a los múltiples problemas de su protagonista: mujer, joven, homosexual y originaria de un barrio popular. Navas entró en la vida de una joven correntina a través de un dispositivo estético que prioriza la proximidad.

En otro pilar de la narrativa cinematográfica mundial, el cine documental, se han visto propuestas tan estimulantes como La primera mujer. La nueva película de Miguel Eek fue principalmente un retrato de la persona principal: Eva quiere recuperar su soberanía individual y lo que considera una vida normal después de años de adicciones y problemas de salud mental que la llevaron a un internamiento en instalaciones psiquiátricas. El optimismo y la energía casi sobrehumanos de esta mujer madura pueden hacer que el público se pregunte qué se necesita de las personas que han sido institucionalizadas para recuperar su soberanía individual.

El músico y cineasta Miguel Ángel Blanca también apostó por la observación lacónica, sin dispositivos periodísticos ni comentarios explícitos, en este retrato de quienes viven todo el año en un pueblo de carácter turístico: el sugerente pueblo fantasma de Magaluf habitado por hijos de restauradores con visiones contradictorias. sobre el sector o las mucamas que entablan amistades inesperadas.

Otras propuestas, como la espectacular mezcla de ensayo histórico y observación de la Luz presente por doquier, parecen condenadas a vivir en la gran pantalla solo en pases puntuales normalmente vinculados a festivales de cine y encontrar su espacio en las plataformas de streaming más sensibles al cine en Author. .

Fotograma de 'Light Everywhere'

Más allá de estos exponentes del drama social y el documental que captura el presente con mayor o menor intención crítica, el audiovisual 2021 también nos ha dejado interesantes ejemplos de películas que abordan realidades incómodas desde los códigos del cine de género.

Neus Ballús ha abordado un problema de gran trascendencia como es la exclusión del migrante, como es una cierta xenofobia practicada desde la base de la pirámide de clases sociales, a través de la comedia.

Kiyoshi Kurosawa ha elegido hacer memoria del Japón genocida a través de una tranquila historia de espías ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Neus Ballús ha abordado un problema de gran trascendencia como es la exclusión del migrante, como es una cierta xenofobia practicada desde la base de la pirámide de clases sociales, a través de la comedia. La nube sugiere que la necesidad de dinero puede sacar a un médico loco de cualquiera de nosotros. Y The Card Counter cuenta una historia sobre la posibilidad de ser drogado en la lotería del capitalismo, siempre que aceptes una ranura secundaria en su casino.

La esposa del espía: thriller lento sobre los horrores del pasado imperial japonés

El veterano Kiyoshi Kurosawa (Pulse, sonata de Tokio) recibió el León de Oro en Venecia con este magnífico thriller de resistencia por motivos humanitarios, de dudas en la relación con la patria y con el cónyuge. Un rico comerciante parece estar viviendo una doble vida en el Japón de la Segunda Guerra Mundial. Su esposa, que sospecha de un posible romance, debe afrontar una revelación que la conmocionará: su marido intenta enviar a las fuerzas aliadas una documentación que se refiere a los mortíferos experimentos científicos de guerra bacteriológica con prisioneros y civiles cometidos por el ejército nacional en Manchuria.

La propuesta de Kurosawa puede referirse a ejemplos militantemente antiespectaculares de la narrativa del espía, como el ‘Triple Agente’ rohmeriano

The Spy’s Wife es una reconstrucción vintage hecha a mano capturada con cámaras digitales avanzadas. El resultado es un paso más allá de las mejores imágenes, a veces gratamente meditativas, de las obras escritas por John Le Carré. La propuesta de Kurosawa puede referirse a ejemplos militantes y poco espectaculares de la narrativa del espía, como el Triple Agente Rohmeriano. La propuesta no solo puede ser contrahegemónica por su alejamiento de la inercia fallera y del cine geopolítico pop.

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Kurosawa también se ocupa del incómodo pasado imperial de los crímenes de guerra contra las naciones vecinas y choca con las visiones autocompasivas del recuerdo de la Segunda Guerra Mundial del audiovisual japonés. Y lo hace con sutileza, sin imágenes de batallas heroicas y violencia supuestamente empoderadora. El recorrido finaliza con imágenes de llamas y gritos lejanos: el horror militarista es castigado por un orgulloso aliado que desemboca en masacres cometidas por fuego y bombas atómicas.

Six Running Days: comedia agridulce sobre exclusiones y frustración

El director de La plaga o El viaje de Marta, Neus Ballús, se había preguntado públicamente por qué el cine social tenía que ser deprimente. Su tercer largometraje parece surgir, en parte, de esta reflexión. Ballús apuesta por la comedia para acercarse a las exclusiones cotidianas que sufre la población migrante … ya los miedos y frustraciones de esos otros personajes secundarios del capitalismo que también juegan al juego de querer excluir. Un plomero de una pequeña empresa de reparaciones no quiere que su socio se jubile, y no encaja bien con la persona que está probando para reemplazarlo, un hombre marroquí. Durante una semana, Valero le hará la vida imposible a Moha.

Seis días ordinarios está muy lejos de la astracanada. Su autor ha utilizado las herramientas del documental de creación y se basa en las vidas y personalidades reales de sus no actores, fontaneros de profesión, para modelar la ficción. La abundancia de humor, incluido el humor físico, no conduce a una visualización agradable para el público.

Como en el anterior El viaje de Marta, Ballús puede utilizar formas más o menos accesibles, pero comienza con una mirada aguda a los desafíos sociales de nuestro tiempo que pueden provocar una herida de puñalada en el público. Por un lado, opta por la ternura y también por las ganas de escenificar posibles acuerdos y alianzas que abran la puerta a una cierta esperanza. Ballús ya lo hizo en su película anterior, donde la pequeña apuesta individual por el entendimiento mutuo matizaba el posible duelo ante problemas sociales (como el neocolonialismo económico o la xenofobia) de gran magnitud y de imposible resolución inmediata. Aún así, ver y disfrutar la película puede hacernos hacer preguntas incómodas. ¿De qué nos reímos? ¿Qué lugar ocupamos dentro de la cartografía social de las opresiones?

La nube: el monstruo es la necesidad de capital

Una mujer ha puesto en marcha un proyecto de cría de langostas destinado al mercado de harinas de animales que producen agua. Ante la idea de la quiebra que socavaría su propio bienestar y las oportunidades de sus hijos, Virginie descubre que el negocio requiere de su sangre (literalmente) para ser rentable. Esta raza de langostas vampiro rentables, por supuesto, resultará cada vez más amenazante y requerirá sacrificios cada vez más difíciles para llevar a cabo.

‘La nube’ es un ejemplo de película que se siente bastante cómoda dentro del campo de juego del cine de género pero que, al mismo tiempo, está dispuesta a evitar algunas de sus inercias y lugares comunes.

El director francés Just Philippot hizo su debut como director de largometrajes con una metáfora indisimulada sobre las miserias de la clase trabajadora y la economía productiva sometida al capitalismo de casino. La nube es un ejemplo de película bastante cómoda dentro del campo de juego del cine de género pero que, al mismo tiempo, está dispuesta a evitar algunas de sus inercias y lugares comunes. Su autor, por ejemplo, evita los peajes del terror “centrado en el miedo” y está más apegado al retrato de personajes con un trasfondo alegórico. A cambio, ofrece al público fantástico unas imágenes de los horrores de los cuerpos que pueden recordar las pesadillas de David Cronenberg (Videodrome), pero sustituyendo el cyberpunk tecnológico por el horror agrario 100% orgánico.

El contador de cartas: ganarse la vida renunciando a la vida

Como guionista de Taxi driver o Wild Bull y como director de Hardcore, un mundo oculto, Paul Schrader es uno de los históricos de lo que se ha dado en llamar el Nuevo Hollywood. Tras unos años embarcado en proyectos problemáticos o que han cosechado una visibilidad reducida, el éxito crítico del austero drama El reverendo lo volvió a poner en primer plano. Y su autor vuelve a aplicar un tratamiento muy parecido a una historia ambientada en un entorno bastante diferente: pasamos de un pastor protestante en una múltiple crisis de fe y salud a un exconvicto veterano de la ‘guerra contra el terrorismo’, convertido en Blackjack anónimo. pro, cuyo encuentro con el hijo de una ex pareja suscita conflictos internos.

El contador de cartas es, como El reverendo, otro retrato de un hombre atormentado muy característico de su autor. Sin embargo, ambas películas tratan sobre la fricción con el mundo circundante, ya sea a través del horror de los abusos ambientales o la participación en la guerra contra el terror. Tan negro contemporáneo (y lacónico, y muy austero) como es, la nueva película de Schrader también parece elevar su propio comentario sobre la experiencia del capitalismo. Es algo común en un género negro que suele ser terreno fértil para historias de vidas extremadamente sujetas al deseo (o la necesidad) de dinero.

En ‘The Card Counter’, Schrader elige aventurarse en lugares psicológicamente turbios y pantanosos. Tu antihéroe sacrificado ha elegido ganarse la vida y castigarse a sí mismo simultáneamente.

También en este sentido, Schrader opta por aventurarse en lugares psicológicamente turbios y pantanosos. Su antihéroe sacrificado ha optado por ganarse la vida y castigarse a sí mismo simultáneamente: se ha condenado a vivir una vida de desarraigo en los espacios de tránsito, en las habitaciones de los hoteles en las carreteras, en los pasillos y en las mesas de los casinos. Una persona a la deriva, con la memoria ejercitada después de años de entrenamiento en prisión, puede ganar la piedra del capitalismo cosechando modestas ganancias en el blackjack. Siempre y cuando permanezca en el rincón discreto reservado para los individuos de su clase, siempre y cuando no llame la atención del casino y sus operaciones bancarias tomando ganancias ‘excesivas’.

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